Petite distribution pour grand chef


On arrive avec en tête les noms de Jonas Kauffman (qui devait à l’origine chanter Florestan) et de Robert Carsen pour la mise en scène et l’on découvre que Clifton Forbis remplace le premier et que le réalisateur de cinéma Chris Kraus remplace le second (1)... Déception donc car le spectacle aurait sans doute gagné en intensité .
Restait, entre autres et ce n’est pas rien, la présence de Claudio Abbado au pupitre, et sur ce plan-là, on ne fut pas déçu.

Quel magnifique travail d’orchestre le chef italien nous a offert ce soir-là ! Une direction énergique mais sans lourdeur ou dureté, d’une clarté et d’une lisibilité extrêmes, ménageant formidablement tensions et détentes, une direction qui cisèle la matière sonore avec une science consommée (la splendide petite Marche au premier acte par exemple) et qui concentre la sonorité vers les pupitres graves (contrebasses et violoncelles prennent souvent le dessus en intensité par rapport aux cordes aiguës) ce qui colle admirablement avec l’écriture beethovénienne de l’ouvrage et avec le sujet... !
Un travail tout à fait fascinant donc, dont nous retiendrons particulièrement deux moments qui nous ont grandement marqué : l’introduction orchestrale du sublime quatuor du premier acte, avec des pizzicati des contrebasses d’une variété de « toucher » absolument admirable (mais tout le quatuor semble hors temps et Abbado en fait quelque chose de magique) et la véritable « poussée de lave » de la dernière scène : l’excitation grandissante, le jaillissement de lumière ont été savamment amenés pour nous offrir une conclusion des plus jubilatoires. Deux facettes, le détail et la ligne, qui montrent quel grand chef est Claudio Abbado.

L’orchestre suit le maître corps et âme (c’est la première que nous voyons un orchestre se lever lorsque le chef sort de la fosse avant l’entracte !). Pourtant, nous ne sommes pas emballés par cette formation, le Mahler Chamber Orchestra, tant vantée. Les pupitres sont certes beaux (notamment ce soir contrebasses et violoncelles), mais enfin, on a connu clarinette plus ronde ou hautbois plus lumineux, cors plus tranchants et plus sûrs par exemple. Quand on sait ce que l’Allemagne compte de formations d’exception (et que le Festspielhaus est habitué à recevoir), on aurait souhaité voir Abbado à la tête d’un orchestre plus beau encore que cette jeune formation que nous persistons à trouver un peu « verte » (cf. la prestation du même orchestre dans De la maison des morts à Aix l’été dernier).
Mais Abbado ne se contente pas de tirer le meilleur de l’orchestre, il porte les chanteurs de la même manière, notamment des chœurs magnifiquement ciselés avec une richesse de nuances confondante (chœur des prisonniers). Il peut se reposer là sur des formations absolument somptueuses, les hommes du Chœur Arnold Schoenberg, auxquels se joignent le Coro de la Comunidad de Madrid pour les chœurs mixtes, magnifient les superbes pages chorales de la partition, notamment la dernière, si redoutable pour les sopranos (comme dans la 9° Symphonie ou la Missa Solemnis), où le son est toujours rond et jamais forcé (ce que l’on entend parfois trop souvent dans nos maisons d’opéra) : enthousiasmant !


La distribution nous a paru un peu en deçà de ce qu’on aurait pu attendre. Sans démériter, elle ne transcende pas comme nous avons pu l’être de nombreuses fois dans cette salle.
Anja Kampe campe une fière Léonore, l’actrice est investie, la chanteuse aguerrie mais on ne ressent pas le grand frisson qu’ont su distiller d’autres chanteuses dans ce rôle. Il sera cependant intéressant de retrouver Anja Kampe en Léonore à Strasbourg en juin/juillet prochain (2).
Clifton Corbis est plus douloureux en Florestan. Une voix serrée, comme sous pression, qui bouge, avec un vibrato envahissant, une émission tout en force... l’écoute en devient franchement pénible notamment dans l’aigu. L’artiste est pourtant méritant si ce n’est parfois prenant, mais la voix le dessert trop à nos oreilles.
Le Rocco de Giorgio Surian est sympathique même si le timbre et le chant plutôt italianisants surprennent un peu dans ce répertoire.
Le Pizzaro d’Albert Dohmen affiche une voix assez usée et le chanteur a tendance à pousser un peu trop les sons. Certes, le personnage s’y prête mais cela nous a semblé parfois un peu too much.
Très bons par contre le Don Fernando de Diogenes Randes, la Marzelline au beau timbre corsé de Julia Kleiter et surtout le Jaquino au timbre clair et très agréable de Jörg Schneider.

C’est donc Chris Kraus qui reprenait le flambeau de ce Fidelio pour la partie scénique. Réalisateur du film Quatre minutes, traitant du rapport de forces tendu entre une professeur de piano et une jeune femme rebelle en milieu carcéral, il retrouve avec Fidelio un climat un peu similaire.
Pour sa première mise en scène d’opéra, on sent l’homme de cinéma : les images, parfois fort belles, sont nombreuses et s’enchaînent à un rythme impressionnant. Une guillotine trône ainsi sur scène durant le premier acte. Sa présence apporte un contrepoint dramatique bienvenu aux scènes relativement « légères » du début de l’ouvrage (scènes entre Marzelline et Jaquino). Les lourds murs métalliques constituent une image forte en créant un espace déprimant et sordide qui s’ouvre pour laisser apparaître une sorte d’« arène » constituée de cases avec dans chacune un prisonnier encagoulé qui renforce l’impression d’anonymat et de masse aux dépens de l’individu. Autre exemple d’image forte : celle des prisonniers entrant en rampant tels des rats se faufilant dans cet univers glauque. Des images, on en aura encore en projection notamment durant l’air de Fidelio/Léonore où une lune se transforme en pupille d’un œil dont la paupière se ferme et se rouvre.
Les changements d’éclairages (d’ailleurs somptueux) fort nombreux eux aussi permettent de focaliser l’action sur un personnage, un élément du décor (la guillotine éclairée à contre-jour et dont l’ombre occupe tout le plateau) ou même d’éblouir les spectateurs comme le sont les prisonniers montant à l’air libre.
Bref, on ne s’ennuie pas dans ce catalogue de belles images. Le tout est cependant un peu trop premier degré (d’autant plus que l’action se place plutôt dans la France révolutionnaire et du début du XIXe siècle : pas de « relecture » politique ici). Quelques maladresses sont à noter (comme le guillotinage d’un prisonnier pris au hasard au premier acte, puis celui de Pizzaro à la fin de l’ouvrage) mais ne déparent que peu dans un travail très illustratif mais beau et qui s’accorde parfaitement avec la musique.
 
On attendait un événement triple : Abbado - Carsen - Kaufmann, nous n’en avons eu qu’un : Abbado, mais il justifiait à lui seul le déplacement.