Orfeo - Haïm - Bjarnason - Pokupic - De Liso

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Un Orfeo « light »

Comme la saison dernière, l’Opéra du Rhin invite le Concert d’Astrée et sa chef Emmanuelle Haïm pour une production d’opéra. Après des Boréades contestables en 2005, nous retrouvons une Emmanuelle Haïm plus à son aise avec Monteverdi. La direction est souple, claire et sobre, sans effets appuyés. La gestique de la chef est d’ailleurs beaucoup plus paisible et modérée que l’an dernier où les gesticulations quasi-incessantes étaient insupportables et semblaient davantage freiner le discours que l’épanouir. Ici donc, de l’air, de l’espace : la musique respire. On reste tout de même agacé par certaines vocalises improvisées exubérantes tirant vers l’aigu (chez La Musica notamment) qui dénaturent et brisent la ligne de chant montéverdienne qui se suffit à elle-même, des percussions peu idoines et une improvisation générale sur le dernier accord qui en devient quelque peu cacophonique... Par ailleurs réclamerait-on davantage de dramatisme, par exemple pour accompagner l’entrée de La Messaggiera.

Le Concert d’Astrée offre un effectif réduit, aux sonorités agréables mais qui nous ont paru bien faibles. Au moins cette douceur s’accorde-t-elle avec une distribution « petit format ». Il nous a semblé cependant qu’il fallait quelque peu tendre l’oreille pour goûter aux subtilités du bel canto et à la riche orchestration de l’ouvrage.

Les chanteurs réunis sont tous jeunes et affichent un physique idéal - si ce n’est l’âge - pour leur rôle. De fait, la « verdeur » de certaines voix peut dérouter, mais on apprécie ce qu’on y gagne en crédibilité scénique. Pour autant, nous n’avons pas à faire à des novices, et il faut louer en premier lieu la maîtrise de Finnur Bjarnason dans le rôle d’Orfeo. Voix douce, chant ductile, maîtrise des terribles vocalises de « Possente Spirto », on est séduit. Les voix profondes et corsées de Renata Pokupic (La Messaggiera) et Marina de Liso (La Speranza) donnent tout le poids nécessaire à leur personnage. On sera moins convaincu par la voix un peu métallique de Kerstin Avemo en Musica et Euridice et celle, manquant de graves et bougeant beaucoup, de Mario Luperi en Caronte.

Plus séduisants sont la Prosperine d’Aurelia Legay et le Plutone de Paul Gay, tout comme les différents bergers et surtout le superbe Appolo d’Ed Lyon.

La mise en scène, très sobre et dénudée, de Giorgio Barberio Corsetti, séduit par la finesse du travail et l’originalité de sa vision. Après un Prologue en costume (La Musica, entourée d’instruments, s’affiche dans un cadre de scène resserré : le tout fait penser à quelque tableau de la Renaissance), nous sommes transportés dans une Italie insouciante des années 60/70 avec une bande de jeunes gens autour de leur vespas. Le metteur en scène fait référence à Pasolini mais nous n’avons pu, pour notre part, nous empêcher de penser à l’Orphée de Jean Cocteau, fascinante transposition du mythe dans la France d’après-guerre.

Justement, la dimension mythique est un peu voilée dans la vision qui nous est offerte, mais sait subtilement se faire présente avec par exemple ces « faunes » qui parcourent la scène au fil des tableaux ou le Deus ex machina final avec un Apollo qui descend véritablement sur scène (...mais dans un canapé !). Surtout, Giorgio Barberio Corsetti ne tombe pas dans la caricature en nous offrant par exemple un Orphée qui aurait tronqué sa lyre contre une guitare : la transposition est subtile. Là où elle convaincra moins, c’est dans le tableau des enfers avec Prosperine et Pluto, où l’on saisit mal la présence d’une guinguette où les faunes font cuire quelques viennoiseries... (pour les morts ?...). Par contre, le dernier acte où Orfeo chante son malheur et son dégoût voit une sorte de salon avec des canapés où s’ébattent de jeunes amants. Le contraste avec l’état d’esprit d’Orfeo, de plus en plus amer, n’en est que plus fort. On retiendra encore la pluie de vêtements avant qu’Orfeo ne traverse le Styx, image saisissante et assez terrifiante.

Le recours à la vidéo vient parachever ces belles idées : le corps d’Euridice roulant au sol à la fin du deuxième acte, La Musica endormant Carone, Plutone venant couvrir d’ombre Orfeo etc. Les images, fort belles, légèrement floutées, ne sont jamais envahissantes et interviennent toujours aux moments opportuns.

Au final, on aura un peu l’impression d’un Orfeo « light », tant musicalement que scéniquement, un Orfeo tout en douceur, mais non dénué pour autant de qualités.

Pierre-Emmanuel Lephay